Pegue sua vida de volta e saia da gaiola!
Dando sequência ao domínio dos titãs em terra brasileiras a editora Panini traz o segundo spinoff de Ataque dos Titãs, anunciado em junho no evento Expo Geek Beta, no Rio de Janeiro é a vez de Ataque dos Titãs – Antes da Queda.
O mangá é adaptado da light novel de mesmo nome e conta com a arte de Satoshi Shiki, baseado na arte de THORES Shibamoto fez para a novel, o roteiro é do autor da light novel, Ryo Suzukaze, tendo como base o universo criado pelo autor da obra original, Hajime Isayama, e dado a importância da já franquia acredita-se que o Comitê de Produção de “Ataque dos Titãs” também esteja envolvido. A história explora o passado do mundo da história principal com novos personagens em um mundo muito mais selvagem.
A HISTÓRIA
A história se passa setenta anos antes da queda da Muralha Maria. Um único titã invade o Distrito de Zhiganshina e causa uma tremenda devastação, deixando muitos mortos e feridos. No entanto, das entranhas de um cadáver devorado, surge um bebê recém-nascido que viria a ser reconhecido como o “Filho de Titã”. Após anos vivendo aprisionado, Kuklo é vendido a um importante mercador e passa a viver uma série de abusos e maus tratos, mas uma inesperada ajuda pode mudar o curso de sua vida e também da humanidade.
CONSIDERAÇÕES TÉCNICAS
Ao contrário de Sem Arrependimentos, que explorou um passado recente com a história do Levi, Antes da Queda apresenta personagens de muito mais tempo no passado, todos novos e que não são citados posteriormente, sendo os Adoradores de Titãs os que mais chamam atenção nesse quesito.
Deixando o mundo do treinamento sofrido de Eren, Mikasa, Armin e os demais, o inicio da saga de Kuklo é muito mais sofrido. Ao sobreviver no ventre da sua mãe engolida por um titã em um ataque ao distrito de Zhinganshina e nascido entre os restos do algoz de sua mãe, ele ganhou a alcunha de filho de titã e passou a ser excluído e tratado pelo temor dele ser um filhote de titã.
Devido a alcunha que ganhou e o modo como foi tratado Kuklo acaba sendo comprado por um ricaço da muralha Sina para servir de objeto de treino de seu filho, Xavi, que almejava posições altas no exército. Mesmo servindo de saco de pancadas Kuklo consegue a ajuda de Sharle, irmã de Xavi, que alimenta o jovem e o ensina o básico do mundo para que um dia ele saia daquela cela.
Por ser baseado em uma light novel que já foi finalizada a história em si já está criada, mas o roteiro não é acelerado, sendo este primeiro volume muito mais introdutório e sem desenvolver diversos pontos da trama, deixando a possibilidade de muita coisa por acontecer, não é a toa que o mangá não está finalizado ainda e deve demorar um tempo para acabar.
A arte do mangá mais uma vez é superior ao do original, e considero ela até melhor do que a de Sem Arrependimentos, embora este fosse publicado em uma revista shoujo e tivesse um público um pouco diferente. Antes da Queda tem a arte que desejaria que a história principal tivesse, sendo uma mistura de Claymore com Lodoss War.
A EDIÇÃO NACIONAL
A edição nacional segue o padrão do que já vem sendo publicado por ela da franquia, até porque não haveria motivo de ter diferenças significativas e sair do padrão do bom trabalho que vem sendo feito. O subtítulo sem qualquer menção ao título original foi uma escolha certeira e inteligente. A diferença que mais gostei nesta edição foi o acréscimo do prólogo ao final do exemplar, que foi lançado originalmente na revista mensal onde a série é publicada, assim como na edição compilada japonesa.
Falando agora da parte gráfica o padrão de papel e acabamento dos demais é seguido, bem semelhante ao de Sem Arrependimentos por sinal, mas foi também publicada as 4 páginas iniciais coloridas, seguindo o original japonês. A capa também é fiel a edição nipônica, com as devidas adaptações; a lombada mais uma vez é sobrecarregada de informação e não tem nenhuma diferença de cor para a obra principal, ao contrário de Sem Arrependimentos.
COMENTÁRIOS FINAIS
Ataque dos Titãs – Antes da Queda é mais um mangá que serve para se aprofundar no universo dos Titãs, e faz isso de forma mais efetiva do que Sem Arrependimentos. A obra original aborda tanto o mundo do filho de Titã Kuklo, como também do desenvolvedor do sistema de manobra, Angel Aaltonen e espero que o mangá também traga essa parte da história, que é base para muito do mundo que vem na sequência.
Para aquele que tem dúvidas se deve acompanhar o material eu recomendo que vá atrás, ele traz muito mais detalhes e promete acrescentar muito mais ao universo da obra. Dado o sucesso que a franquia tem esta seria uma boa oportunidade para a editora colocasse na banca novamente os primeiros volumes da série principal, tão difíceis de se encontrar.
Ataque dos Titãs é uma franquia que tem muito fôlego, seu sucesso a fez sair do nicho, e seria ótimo se a editora brasileira também avaliasse trazer a light novel original de Antes da Queda, pois se tem uma obra que tem chances de sucesso é esta.
FICHA TÉCNICA
Título: Ataque dos Titãs – Antes da Queda
(進撃の巨人 Before the fall)
Autores: Hajime Isayama, Ryo Suzukaze,
Satoshi Shiki e THORES Shibamoto
Editora: Panini
Total de volumes: 6 (ainda em publicação)
Periodicidade: Bimestral
Valor: R$ 12,90
Pontos Positivos
- Ótima expansão do universo dos Titãs;
- Inclusão do prólogo;
- Páginas coloridas.
Pontos Negativos
- Poucas páginas;
- Lombada;
- Ausência de glossário.
Nota Volume 1: ★★★★★
A vida e o boxe possuem um lado sombrio.
A HISTÓRIA 
CONSIDERAÇÕES TÉCNICAS
Passando desse início sombrio do mangá, temos um time skip e vemos toda a fase do Riku adolescente tentando se tornar um boxeador. A história se desenvolve mais voltada para que o leitor fique curioso para saber como o rapaz superou todas as suas dificuldades e traumas. Não espere uma pegada estilo Ashita no Joe ou Hajime no Ippo, não temos muitos escapes com piadinhas ou cenas engraçadas, o mangá mantem um clima mais sujo, me deixando as vezes sufocado e querendo ao menos um breve momento de alegria. E o que seria um mangá de esporte se o esporte fosse retratado de forma ruim? Rikudou não tem esse problema, apesar de que por enquanto não aconteceu uma luta importante, mas ainda assim cada uma das que foram apresentadas foram bem emocionantes e diferentes umas das outras.
Na questão de personagens temos, pelo menos, três principais. O protagonista Riku Azami que eu acho muito bem trabalhado; é interessante como não foi preciso muito tempo para que eu entendesse o que se passa pela sua cabeça e os motivos que o fazem ser daquele jeito. Yuki Naeshiro, a amiga de orfanato de Riku e que no início eu achei um tanto forçado os motivos dela desenvolver um interesse amoroso tão forte com o garoto, mas que em um flashback conhecemos sua história e acabou fazendo muito sentido, deixando a personagem muito melhor e menos irritante. E finalmente Kyousuke Tokorozawa, o último e ainda uma incógnita, ainda não compreendo qual é o papel e o porquê dele fazer o que faz, por enquanto ele serve mais como uma inspiração para o protagonista e o ajuda a seguir em frente. Outros por enquanto podem se tornar grandes mas ainda não possuem um grande destaque ou conteúdo – como o treinador Shinji Baba ou o possível rival Kaede.
A arte do Matsubara é excelente, os personagens são muito bem detalhados visualmente e não parecem tão genéricos a ponto de você achar que os viu em algum outro lugar. Durante as lutas ele torna o traço mais cru e brutal, os socos tem um impacto fortíssimo e são incrivelmente fluídos onde você não se perde e entende muito bem a movimentação de cada lutador; já no lado de fora e em momentos mais tensos, o desenho muda e conversa muito bem com a história, com sombras fortes e sem a aparência de um desenho mais “limpo” que eu estou tão acostumado a acompanhar.
COMENTÁRIOS GERAIS
Muitos feels para uma web comic só. Com certeza minha favorita.
A HISTÓRIA
CONSIDERAÇÕES TÉCNICAS
The Stories of Those Around Me não é uma web comic perfeita. Sim, ela é a minha preferida, mas há alguns erros que me incomodaram ao decorrer da história, um exemplo disso é o choque ao trocar de trama, de “protagonista”; é como tentar fechar um livro depois de lido, mas ainda ter mais páginas onde há mais um começo, mais drama, mais conflitos. É indiscutível o fato de que isso obviamente faz parte – senão nem haveria necessidade de colocar a Mira, Jung-A ou a Summer juntas em uma única web comic – mas após a segunda parte, há uma série de capítulos que mais parecem ser “extras” e meu kokoro ainda não estava recuperado de Jung-A e, com certeza, não estava no clima ideal para ver capítulos que nada tinham a ver com ela.
Jung-A é do tipo que se vê no comodismo de um relacionamento que já dura a muito tempo. Nada vaidosa, tímida, que guarda tudo para si, parece estar cada vez mais infeliz com seu relacionamento, porém usa argumentos como “conhecemos um a outro melhor do que ninguém” ou “nos entendemos até por pensamento” para que o namoro continue, apesar de ambos parecerem estar saturados da rotina que os cerca. Quando o “arco Mira” acabou, foi como sair de um calor escaldante e entrar no inverno do Ártico. Talvez esse seja um dos pontos em que a autora acaba me surpreendo, pois ela não se prende a um só tipo de estereótipo e consegue trabalhar muito bem com diferentes tipos de tramas. Confesso que o começo da parte da história de Jung-A não é tão convidativa, mas isso não tem nada a ver com a narrativa que a autora constrói, e sim com a personalidade da personagem – que não chega a ser submissa, mas parece não estar longe disso – causando o efeito de raiva sob a garota; as vezes queria bater na menina, outras, só abraçá-la. Preciso dar um aviso antes de terminar de falar sobre essa segunda parte da história: a vida da Jung-A, o relacionamento, o que acontece dentro e fora dela, tudo isso é puro suffering. E, para piorar, a autora (dona do meu rabo) fez um último capítulo desse arco com uma visão que não é dela, mas sobre ela. Se a primeira parte, a de Mira, consegue aquecer o coração e ser nostálgico, essa te deixa aos pedaços, te emociona e deixa suspirando no final. Simplesmente incrível.
Um aspecto interessante é que mesmo quando a história se concentra mais em uma só personagem, ainda é possível prever quais serão os problemas que outras passarão e o que nos vai ser apresentado. Os capítulos podem ser próprios e girados em torno de uma única garota, mas todas tem seu espacinho.
Summer Han. Ela é o que podemos de chamar de “último arco” da história. Summer é a única desempregada do trio, que não procura nenhum trabalho sério e também não tem ambições para seu futuro, fazendo com que sua mãe sempre brigue com ela, apesar da personalidade alegre – ou boba? – da garota ignore, mas ela também conta com o apoio de seu namorado, Sanghoon, pelo qual ela é extremamente apaixonada. Eu me identifico com a personagem, aliás, me identifico com as características de como ela é formada: animada, meio idiota, do tipo que não se desanima fácil e é um pouco relaxada. Realmente esperava um bom desenvolvimento com relação a sua parte, mas quando terminei de ler, simplesmente não sabia o que pensar. Entendo a jogada da autora, entendo a decisão de Summer, porém ainda sinto aquele gosto amargo na boca, como se a escolha tomada no final fosse covardia. Usando uma expressão mais bruta, eu poderia dizer simplesmente que a autora quis dar um tapa na cara de seus leitores – e isso doeu. Não posso dar spoiler, porém, se você consegue ler nas entrelinhas ou tem uma boa interpretação, as últimas páginas vão fazer todo o sentido. Ainda não sei se amo a Omyo ou a odeio por isso.
COMENTÁRIOS GERAIS
Pra você que quer conhecer mais do mangá antes do anime.
A HISTÓRIA
CONSIDERAÇÕES TÉCNICAS
Vamos começar falando um pouquinho do ponto principal da obra? Os personagens. Nakajima Atsushi tem uma personalidade de protagonista bastante conhecida; do tipo “relutante” que ainda não tem noção do poder que carrega; o garoto órfão parece estar em conflito com seu passado e com o fato de ter entrado para uma equipe importante – considerando a possibilidade de algo acontecer nessa nova fase de sua vida e acabar obtendo mais arrependimentos. Atsushi ainda não me cativou. Ele não é um mau personagem, mas no meu conceito é dono de uma personalidade já saturada, que entre o “sim” e o “não”, ele escolhe o “não sei”. Osamu Dazai é o líder da equipe de detetives; do tipo inconsequente, que leva problemas aos outros sem sentir culpa e que se esquece da existência do senso comum, ele é o centro de humor da história e que toma atitudes que bem lhe convém. Dazai é meu segundo personagem favorito do mangá. Além de ser engraçado e descontraído, ele faz o tipo que não está nem aí para nada, quando na verdade pensa em tudo; consigo gostar até mesmo das suas tentativas fracassadas de suicídio – e espero que esse aspecto nunca o atrapalhe de fato, já pensou se dá certo? – que acabam deixando Doppo Kunikida bravíssimo. Doppo Kunikida… Ah, que homem! Sim, esse é o meu personagem número um até agora! E, me desculpem, mas como não gostar do “cold heart”, maduro e megane – fator muito importante aqui, inclusive, o torna o best guy na concepção dessa redatora – desse mangá? Isso non ecziste.
O que me incomodou – a ponto de ser bem perceptível desde o princípio – foi o modo como o autor elaborou o roteiro da história. O primeiro capítulo eu relevei, pensei que aquilo era uma introdução e que era aceitável; apesar de não poder contar spoilers, ele se resumiu em um mistério que foi resolvido (logo de cara) sem ao menos levar aquele gostinho de “quero mais” para o capítulo seguinte. O plot era bom, então continuei a ler, esperando que ele não voltasse a correr com o mangá, mas, o fez novamente. Asagiri abusa de clichês, porém, ao invés de trabalhar e desenvolver isso, tem pressa para que aquele aspecto seja finalizado e possa colocar outro no lugar. Não há tempo de respirar, de absorver as informações, são mais e mais acontecimentos sendo jogados para o leitor, deixando a “linha do tempo” da obra totalmente confusa. Isso é ruim? Em partes. Reclamo desse aspecto, entretanto, isso só prova uma coisa e que, sinceramente, é um dos motivos de continuar a acompanhar: Asagiri é criativo, que tem boas ideias e as coloca em ação, mas ainda não sabe trabalhar isso completamente. Obviamente não poderia estar comparando o autor comigo, porém, o entendo. Houve uma época em que adorava escrever e inventar histórias, as coisas aconteciam mais rápido em minha mente do que conseguia passar para o papel e, bom, isso me atrapalhava; de repente, não queria mais falar sobre parte X e queria adiantar parte Y, o que me fazia apressar uma determinada situação para chegar na outra antes de perder a inspiração. Tenho esperanças de que ele pegue mais pesado nesse quesito, pois é só nesse ponto que o mangá acaba pecando.
A arte é o ponto alto e agradável do mangá. Apesar dos personagens possuírem um design “genérico”, do tipo que já vimos por aí duas ou mais vezes, o desenhista sabe o que é fazer boas cenas de luta, e o principal destaque que deixo aqui são as expressões dos personagens no momento das batalhas; o pavor, o choque, a fúria e até mesmo a indiferença transmitem uma tensão ao leitor, que tanto o fazem admirar quanto ansiar por mais e mais páginas. Assim, é mostrado o verdadeiro potencial do artista ao fazer esses belíssimos desenhos de tirar o fôlego, comparados com a simplicidade de personagens sem tantas extravagâncias – como o Osamu Dazai e, o vilão da obra, Akutagawa são. O meu maior medo, agora com relação à adaptação em anime, é que essa característica se perca e que o atrativo visual acabe decaindo. Digo isso, pois surgiram imagens da animação – personagens incluso, óbvio – e Dazai parecia estar com um design bem inferior ao que realmente é. Espero que esteja enganada e que o responsável torne a obra que está por vir tão apetitosa aos olhos quanto a original.
COMENTÁRIOS FINAIS
A HISTÓRIA
CONSIDERAÇÕES TÉCNICAS
E é nisso que está apoiada a história do mangá. Que criança nunca quis um super herói na vida e ser como seu grande ídolo? Quem nunca se viu inspirado pela ação daqueles heróis mascarados? Então basta imaginar esse cenário onde todos possuem super poderes, mas mesmo assim não abandonam em nada essa motivação. Nosso herói Deku é a nossa presença dentro da história. Ele vibra, chora, se esforça, admira e tenta se superar a cada desafio, mesmo não tendo nenhum super poder e recebendo o seu como um presente de seu maior ídolo. Percebeu? É quase como se perguntar “o que eu faria se tivesse poderes?” fosse o modelo para esse personagem.
É uma leitura que ao mesmo tempo que te satisfaz, deixa com um gancho ótimo para a continuação. Coisa fina. Além de toda a mescla do estilo artístico de mangás com o de comics americanas – o visual das capas de capítulos lembrando revistas Marvel e DC, as onomatopeias mais próximas do ocidental e a narrativa de quadros que consegue manter a estética do mangá e ao mesmo tempo dessa “internacionalização“. Ainda sobre a construção dos personagens e da arte da série, acho invejável a criatividade e ao mesmo tempo a inspiração que ele desenvolve no papel. Os uniformes, o design dos personagens (que não são poucos) e a forma de seus poderes são bem trabalhados e mostrados ao público.
Falando em diversidade de personagens, falar dos mesmos e de todo apego que você sente por eles é essencial. Aqui Boku no Hero me lembra muito Naruto com a ideia de uma academia de super heróis e o crescimento de seus alunos. Assim como eu adorava ver os poderes dos outros estudantes de outros times em Naruto (arco dos selados é meu favorito por isso), acho incrível quando ele mostra o potencial dos outros alunos, suas motivações, suas ideias. Obviamente o destaque central fica para Deku, Todoroki e Bakugou, mas eu me apaixonei pelas personagens femininas como a Ochako, e realmente me empolguei com a Aliança de Vilões – grupo destinado a lutar contra os heróis. Pra não dizer que só elogio, infelizmente ainda não consegui a mesma afinidade pelos professores e heróis profissionais, apesar do All Might realmente ser incrível e se destacar no meio de todos eles (não a toa é o número 1). Suas lições de moral, seu cuidado com Deku, as tiradas bobas de comédia e a percepção de perigo somadas as qualidades na hora de combate. Além, é claro, de uma teoria interessante de que o autor se baseia nele para mostrar a queda de um herói e da ascenção de novos poderes na sociedade para continuar as lições que os antigos transmitiram. É mais um personagem que tem uma construção interessantíssima e que pode ser explorada mais a cada capítulo utilizado.
COMENTÁRIOS FINAIS
Mirei Kiritani e o primeiro dorama do selo Netflix.
A HISTÓRIA
CONSIDERAÇÕES TÉCNICAS
A primeira vista julguei Atelier com um “Chu-bra!” em dorama – sim, a redatora assistiu o anime ecchi ruim todinho sem pular um capítulo – e, bom, me arrependi amargamente dessa comparação ter me passado a cabeça – e de ter visto o anime, mas né. O segundo julgamento, novamente precipitado, que fiz foi comparar ele e o “Diabo Veste Prada” – aquele filme que já passou em tudo quanto é quadro “cinéfilo” da Globo – e que, apesar de terem uma ou outra coisa em comum, ainda não poderia ousar a misturá-los. Erro meu. O dorama tem como um dos assuntos principais a roupa íntima feminina que, ao contrário de certo anime flop, trata disso de forma sexy, mas ser sem vulgar. Aliás, talvez a primeira coisa que passe na mente da maioria das pessoas é que lingerie é ligada somente a sexo, a ser atraente para o parceiro de cama ou o que for, porém a série consegue quebrar essa visão da idade das cavernas. Ele trata de forma delicada e bem atual, tanto que em certo capítulo a Nanjo, dona da loja de calcinhas e sutiãs, diz que a mulher não se veste para os outros, se veste para si mesma. Será que foi nesse episódio que me apaixonei por ela? Uma mente tão aberta e contemporânea que tem tudo a ver com o que vivemos hoje em dia, com certeza não poderia ser comparada com a bruxa de filme da Sessão da Tarde.
A relação que tive com as protagonistas ao longo da trama foi uma verdadeira montanha-russa. E, sim, protagonistas, no plural, final em “s”, até porque considerar apenas a Mayu como uma não faz jus a todos os elogios – ou até mesmo críticas – que fiz ao longo desta resenha, logo elas só são validas quando as duas são consideradas, juntas, as peças principais. Houve momentos em que só conseguia ter um certo desprezo com Nanjo – inclusive a primeira impressão que tive dela era de que ela poderia ser uma inspiração para alguma futura bruxa dos filmes animados da Disney –, mas, em outras, só conseguia admirar a personalidade forte da personagem. Mayu não foi diferente. Personagem chave quando se refere a comédia e que conseguiu me entreter durante vários episódios, mas que me fez ter vontade de mata-la quando abria a boca para falar tudo o que pensava e, no momento seguinte, estar de cabeça baixa se desculpando com todos – e, acredite, isso acontece até o último fim.
Preciso ser sincera: da metade do dorama até o penúltimo episódio minha balança do “gostei ou não gostei” estava com saldo negativo para a série. Um dos pontos que mais me incomodaram foi a carga dramática que se sobressaia e não deixava os acontecimentos mais leves e mais cômicos terem seu espaço. Aquilo quase me fez droppar. Sei que muitos devem discordar da minha opinião impopular, mas os japoneses são os últimos da categoria que recorro quando o assunto é drama; a carga exacerbada não faz suas criações ficarem mais tocantes ou emocionantes, e sim, irritantes – entretanto, são mestres quando o assunto é a comédia e sempre me fazem rir com as cenas de “vergonha alheia”. Atelier não foge desse destino nipônico mesmo sendo um mestiço – olha o Netflix aqui de novo –, porém seu final me fez rever meus conceitos que, apesar de não ter mudado em sua maioria, sei que não teria me deixado com o mesmo gostinho se não houvesse tantas cenas “ruins” de drama. Previsível para muitos, mas, com certeza, não vi aquela onda chegar.
Acredito que tudo pareça flores na minha resenha, mas: não. Tudo o que escrevi até agora foi tão sincero quanto a minha felicidade ao comprar sorvete de pudim no mercado, então, sim, devo acrescentar mais um aspecto negativo que influenciou a série como um todo. Há um foco enorme, por muitos considerado o “principal”, que seria a loja de lingeries, Emotion, porém acredito que não. O foco principal gira em torno de Mayu e, até mais, na de Nanjo e, sinceramente, não gostei da maneira como esse aproveitamento se estendeu. O tema é tão vasto e aberto que acredito que ele deixou a história se perder um pouco, ainda mais quando se focava na vida pessoal de Nanjo; dramático ao excesso, como disse anteriormente, e com cenas bem dispensáveis.
Voltas demais para chegar em um ponto só.
Não espere romance na série. Como diz um velho ditado: “quem avisa amigo é”. Ele é fraco? Não, não chega a ser isso. Há um toque de romance sim, mas não ao ponto de satisfazer os adoradores do gênero. Talvez muitos considerem o fator de forma negativa, mas só tenho a protestar contra quem teve ou tem essa ideia do dorama, pois ele não precisa desse apelo, não precisa das “bitches” que se interessam pelos homens de outras, dos triângulos, quadrados, ou a figura geométrica que for amorosa. Ele tem uma história para contar, um conteúdo para mostrar e que para isso não precisa se apegar ao famoso “clichê” para conquistar um público. Negativo para muitos, mas um ponto altíssimo para mim.
COMENTÁRIOS FINAIS
Atelier retrata duas personalidades e julgamentos opostos, duas mulheres que em diversos momentos se encontram a beira do colapso profissional, mas encontram sua luz graças a pessoas que as apoiam, que admiram, e provam que suas criações são muito mais que simples projetos; elas os criam, depositam suas esperanças, perdem e ganham muitas vezes, mas, acima de tudo, amadurecem com suas próprias os mesmos. Atelier não é realista quando só observamos o foco óbvio, entretanto, ele carrega o que todos percebem, ou deveriam perceber, conforme o passar do tempo: somos as criações que fazemos e que jogamos fora, todas elas nos tornam o que nós somos e, como resultado final, nos fazem crescer.
O amor está no (m)ar!
A HISTÓRIA
CONSIDERAÇÕES TÉCNICAS
E o objetivo dessa resenha é desfazer uma injustiça. Por anos eu tive preconceito com Ponyo, encarando a produção de uma forma e me afastando da vontade de assistir ao longa. Por sorte, as coisas mudam.
Ponyo é uma dessas que ele tenta proteger, principalmente por sua mãe ser exatamente a maior divindade de todas. Uma criatura fofa, que sai em busca do mundo humano e acaba se apaixonando por um garotinho, Sousuke (o qual Miyazaki afirmou que se baseou em seu filho, Goro Miyazaki – hoje também diretor – na época em que o menino tinha 5 anos de idade), que está disposto a proteger a mesma não importa o quanto isso possa parecer difícil para um garotinho de 7 anos. E essa relação é o que faz o filme ser tão especial, tão significativo. Não é a magia de Ponyo ou de outras criaturas, é o amor puro entre duas crianças, o carinho, a cumplicidade. É o amor que muitas vezes os adultos esquecem que existe, o qual não se trata apenas da relação “casal”.
E isso é mais uma grande sacada da produção. Ponyo poderia abordar dezenas de outros temas, mas é no fato de ser um filme verdadeiramente infantil que ele se apega e segue a fórmula até o fim. Não é difícil encontrar produções americanas que se baseiam nesse tipo de conceito, entregando questionamentos sociais leves, mas sem deixar a essência infantil de lado. Lembro que um dos motivos de ter demorado tanto para assistir esse longa se deu ao fato de que todas as pessoas insistiam que “é infantil demais”, como se isso fosse algum tipo de desmerecimento. E não podemos parar para pensar dessa forma.
E isso é um fato! Ao associarmos Ghibli a Ponyo, automaticamente esperamos um enorme conto de fadas para ser digerido por um adulto de forma mais inteligente, com mensagens implícitas e personagens que nos transportam para as telas. Ponyo não faz isso… Com você, talvez com seus 20~30 anos, não sei. A mensagem é passada de forma leve, indireta; as críticas sociais servem apenas como pano de fundo, sem ter a preocupação de se tornar o ponto principal da história, que é o amor entre duas crianças.
Ao falarmos sobre os aspectos técnicos da animação, porém, aí sim podemos encarar o estúdio como um todo. Quando assistimos uma animação Disney, Pixar, DreamWorks ou qualquer que seja, esperamos algo que mantenha o nível pois sabemos do potencial de tais produções. E mais uma vez o Ghibli não decepciona. A fotografia, a paleta de cores, as cenas “mágicas” e todo o trabalho de dublagem e sonorização é incrível. Em um dos ápices da animação, na cena de uma “enchente” (qualquer coisa mais que isso seria spoiler) você não consegue não ficar deslumbrado. Ponyo é o primeiro filme desde Princesa Mononoke a usar técnicas de animação e colorização tradicionais, o que dá ainda mais um charme para a produção. Talvez exatamente por isso você não sinta o mesmo feeling em outras produções mais recentes como A Viagem de Chihiro, O Castelo Animado e até Vidas ao Vento – todas ótimas animações, obviamente.
COMENTÁRIOS FINAIS
Isso faz parte de toda a pureza e toda a leveza de Ponyo, um filme impossível de não se apaixonar.
Segunda obra da autora resenhada aqui no ChuNan.
A HISTÓRIA
CONSIDERAÇÕES TÉCNICAS
Sou uma grande fã da Sato Zakuri como autora. A acompanho faz pouco tempo (acredito que desde 2011) e como leitura assídua das obras da mangaká posso afirmar o quanto a mesma evoluiu nesses últimos anos; alguns aspectos ainda permanecem – temas como bullying ou uma protagonista com problemas para se socializar não são novos – e até mesmo seus personagens – a mocinha mais ingênua e o personagem masculino protetor – são marcas registradas, a essência dos mangás de Sato. Nessa obra em específico, a autora resolve tomar alguns rumos diferentes que, confesso, me surpreenderam. Comparar Mairunovich, sua obra anterior, com essa última é quase um choque. Primeiro pelo traço da história mais recente ter um salto absurdo quando se trata de qualidade e beleza; os desenhos de Sato nunca foram os mais bonitos, nunca chegaram aos pés de suas colegas de trabalho – como, por exemplo, a Yamamori Mika, autora de Hirunaka no Ryuusei, e que também tem seus mangás publicados na revista Margaret –, mas é incrível como agora ela sabe fazer bem uma maior quantidade de cenas que são dignas de printscreens e de virar papel de parede do celular; mesmo na resenha de Mairunovich tive certa dificuldade para escolher imagens para ilustrar o post.
Porém não vim só dar elogios a sensei e sim comentar o modo como ela estruturou a série desta vez: ela saiu de sua zona de conforto justamente por causa do tema escolhido – que apesar de ter sido usado outras vezes, dessa vez foi diferente – ela quis algo novo. Inverteram-se os acontecimentos e, como isso não é matemática, a ordem dos fatores alterou o resultado. Ela ousou. Mas qual foi o preço dessa “ousadia”? O valor que ela pagou foi alto, um desfecho de história um tanto quanto diferente, que obedece ao que lhe foi proposto, mas talvez não tenha atendido as expectativas de seus leitores que estão tão acostumados com os bons clichês usados não só em shoujos como também no gênero romance.
Nonoyama Botan é o segundo tipo de protagonista que mais gosto (as “fortes” vem em primeiro lugar), pois apesar de demonstrar fraqueza, ser absurdamente ingênua e estar sozinha em boa parte do mangá, ela não desiste. Ela tem a total consciência de que não consegue se socializar, de que erra, porém tenta; eu não consigo não admirar essa personagem que luta o mangá todo para conseguir o que mais quer: amigos de verdade. Amatou Haruto, assim como Nonoyama, não se socializa com as pessoas, mas ao contrário da menina, em seu caso é pelo simples fato de não querer amigos. Amatou é um perfeito tsundere que diversas vezes fala para Nonoyama não tentar ser amiga dele, para se afastar, mas que ao mesmo tempo protege a protagonista quando a mesma está em perigo. Essa é uma das características que mais gosto nos personagens masculinos de Sato Zakuri: ela não faz com que eles sejam aqueles personagens desgraçados que fazem a heroína sofrer a história toda, eles são como os personagens masculinos secundários só que sendo os… principais. Faz sentido? Bom, o que quero dizer é que Amatou protege a Nonoyama. Talvez não esteja lá o tempo todo, porém sempre o faz diretamente, sem segredos, sem cobrar nada em troca. E a definição perfeita para ele é um dos pensamentos de Botan: “Ele é como um gato arisco que não quer que ninguém se aproxime. Tão fofinho!”.
Geralmente só descrevo os personagens de que mais gosto ou os que aparecem com frequência no mangá – sejam eles amigos de protagonistas, as bitches ou até aqueles que deveriam ser os principais e não são –, nesse caso, deixei apenas os detalhes de Nonoyama e Amatou, porque até a metade da obra eles são os únicos que realmente permanecem, que estão lá todos os capítulos. É estranho. É nesse aspecto em que a autora troca a ordem dos acontecimentos; ela prefere desenvolver primeiro os dois principais e depois envolver outros personagens que começam a entrar na vida de Botan. Tanto que essa é uma das características que não me agradaram: o casal é fofo, é engraçado e cativa seus leitores, mas são só eles. Há um vazio que só é preenchido para aqueles que não desistem de Taihen Yoku Dekimashita.
Apesar de Taihen ter todo um enredo de drama, ele é uma comédia que se disfarça em seu roteiro. Não aconselho para aqueles que esperam um desenvolvimento sério quanto ao tema “bullying” ou que aguardam todo aquele sermão e a dura realidade em um mangá, pois ele não é assim. Não é esse o foco. Milhares de pessoas passam por maus tratos na infância, adolescência ou na fase adulta, mas ele não está ali para colocar o dedo na ferida e depois jogar sal por cima; ele está ali para entreter e arrancar risadas de seus leitores. Não que a autora não saiba fazer drama – essa mulher sabe, ela samba nesse gênero, inclusive (quase) chorei em algumas partes de Mairunovich, e só não o fiz porque sou coldheart – porém ela opta em dar um ar mais leve desta vez, substituindo a carga emotiva por um misto de romance doki doki e por acontecimentos divertidíssimos – coisas que só shoujos fazem por você™.
“Aqui vos convoco.”
Um dorama que conseguiu me satisfazer em (quase) tudo.
A JBC ataca novamente com mais um título do mestre Takeshi Obata.
All You Need Is Kill é jogar no certo.Baseado na novel homônima que recebeu uma adaptação hollywoodiana chamada Edge of Tomorrow (em português, “No Limite do Amanhã”), a obra foi lançada pela editora JBC primeiro em 2014 – em duas edições no formato tankobon – e em 2015 – em uma edição especial 2 em 1, em offset, com páginas coloridas, laminação fosca e verniz localizado na capa. De sobra, a obra foi desenhada pelo mesmo desenhista de Death Note, 
A HISTÓRIA
O primeiro capítulo já te prende muito bem. Com a ação, narrativa e principalmente a dúvida de “onde o autor quer chegar”. Durante o primeiro volume é explicado o desenvolvimento de Kiriya como um guerreiro, a maneira que ele começa a enxergar as “mortes” e como fará pra ficar cada vez melhor no campo de batalha. Um ótimo início.
A série é bem fechadinha, mas apenas dois volumes acabam “prendendo” o desenvolvimento de várias coisas. É tudo muito rápido e corrido em certos momentos, como o “carinho” de Kiriya por Rita, que até agora não consigo ver de onde surgiu tudo aquilo. Graças a isso, você acaba não se importando tanto com os personagens. A história não é “profunda”; ela é simples e direta.
A EDIÇÃO NACIONAL
COMENTÁRIOS GERAIS
Graças aos desenhos de Takeshi Obata e a adaptação da novel para um filme, All You Need is Kill acabou ganhando uma atenção muito acima do normal e fazendo um ótimo sucesso – chegando no Brasil durante o mesmo ano em que começou e acabou no Japão. Para aqueles que assistiram o filme, ou pretendem assistir: são obras bem diferentes, tendo poucas coisas iguais no roteiro, inclusive o final. Podem correr atrás de ambos que valerá a pena.
A princesa das águas-vivas.
De longe, a melhor webcomic lida nesse ano.
A HISTÓRIA
CONSIDERAÇÕES TÉCNICAS
Uma outra característica que consigo diferenciar facilmente de outras obras que já li é o fato da autora não restringir sua narrativa, seus pensamentos, somente para a protagonista. Mesmo sendo minoria, ela ainda inclui capítulos direcionados aos antagonistas, mostrando acontecimentos que o leitor já viu no começo da obra só que com uma visão diferente, ou ainda conta algo inédito, bem voltado para o pessoal do personagem – como acontece com a rival da Do Gayoung, Oh Yoojin, onde em certo capítulo é narrado sobre o relacionamento passado dela. O engraçado é que o leitor consegue ter uma noção ampla do que se passa na cabeça de diversos personagens, porém essa condição se torna limitada para aquele que o mesmo tem mais curiosidade: Han Woojin.
“Seria cômico, se não fosse trágico”. Essa frase define o modo como Lee Yun Ji insere os rivais em Something About Us. Fico me questionando o que pode ser considerado mais revoltante e frustrante: alguém surgir do nada e se declarar, ou ao invés disso, estar presente na vida do personagem, mesmo sem marcar tanta presença, e se confessar. Pois é justamente com essa segunda opção que a autora joga; ela prepara o terreno, conta relatos, te distrai, para no momento certo mostrar que aquilo ia acontecer mesmo que fosse de baixo de seu nariz. Me sinto em uma batalha de amor e ódio com a construção de trama que ela faz.
Enquanto tenho uma relação de puro amor com Do Gayoung, não consigo me sentir da mesma forma com Han Woojin. Por mais que torça para que ele seja o personagem que terminará com a protagonista, é como se ele não fosse realmente o melhor amigo dela. Ele a defende quando ouve coisas vulgares sobre ela, sempre procura estar ao lado da amiga, mas é graças a ele que a Do Gayoung passa por dificuldades – o que é irônico, pois em um momento anterior ele é justamente aquele que “a salva”. Ele a faz mal na medida que a faz bem.
COMENTÁRIOS GERAIS
Um shounen cujo campo de batalha é a pista de dança!
A HISTÓRIA
CONSIDERAÇÕES TÉCNICAS
Oito volumes foram o suficiente para me cativar. Engraçado que no mesmo dia em que li Ballroom, comecei uma outra leitura também, um seinen com uma premissa interessante, mas por mais que houvessem n pontos atrativos, era como se a leitura não fluísse. Entenda, não acredito que essa seja a melhor obra dos últimos tempos ou nada do gênero, ela nem ao menos está perto de entrar para minha lista geral (e imaginária) de favoritos, mas os capítulos não andam, eles voam. O mangá tem essa “coisa” de fazer com que a leitura seja leve, descontraída e ainda deixar aquele gosto de “quero mais” na boca.
Ainda falando da questão dos personagens, outro ponto a dar ênfase é que Tatara não precisa se apoiar o tempo todo em Hanaoka, Hyoudou e no seu professor Sengoku. Ele toma várias decisões no decorrer da trama em que são para o bem da dança, mesmo que isso signifique criar uma certa distância dos três citados anteriormente. O personagem quer evoluir e não quer fazer isso de modo que seja inteiramente dependente de seus amigos e, mesmo fazendo tais escolhas, a obra não se torna menos atrativa. Se torna mais real.
Admito que torci um pouco o nariz quando me deparei com as ilustrações das capas. Esperava uma arte inferior, porém, felizmente, estava errada. Apesar de ter citado que o ponto desfavorável da série é o modo como as danças são reproduzidas, necessito dar os devidos créditos a Tomo por desenhar tão bem as poses de impacto das danças além de fazer belíssimos vestidos e de sempre realçar a beleza feminina, ainda mais quando se trata de Hanaoka.
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